Eddie Rodolfo Aparicio

Eddie Rodolfo Aparicio (n. 1990, Los Ángeles; vive y trabaja en Los Ángeles) busca expandir la comprensión de los espectadores sobre la identidad y la creación de lugares al forjar conexiones materiales entre las culturas prehispánicas centroamericanas y el Los Ángeles contemporáneo, a menudo a través de innovadoras creaciones escultóricas a gran escala. Aparicio obtuvo una Licenciatura en Artes del Bard College en 2012 y una Maestría en Bellas Artes de la Universidad de Yale en 2016. Su trabajo ha sido presentado en exposiciones individuales en el Museo de Arte Contemporáneo (MoCA), Los Ángeles (2023); Commonwealth and Council, Los Ángeles (2020); The Mistake Room, Los Ángeles (2018); y Páramo, Guadalajara, México (2019). Sus premios incluyen el Premio de la Fundación Nancy Graves (2022); la Beca para Artistas Visuales de la Fundación Comunitaria de California (CCF) (2016); la Beca del Fondo Nacional para las Artes (2014); y el premio Elizabeth Murray y Sol LeWitt Studio Arts del Bard College (2012).

Ewan Atkinson

Ewan Atkinson (n. 1975, Barbados; vive y trabaja en Barbados) es artista, educador y efímero. Actualmente, es coordinador del programa de Licenciatura en Bellas Artes (BFA) en Arte de Estudio en Barbados Community College y cofundador de Punch Creative Arena, una iniciativa curatorial independiente. Durante muchos años, Atkinson se ha dedicado al estudio de una comunidad relativamente desconocida llamada ​“El Barrio”, buscando comprender su historia, estructura social y habitantes. El Proyecto del Barrio es un archivo de estudio continuo. Activando la capacidad narrativa de documentos y efímeras recopiladas, Atkinson descubre y presenta narrativas fracturadas que exploran la producción de significado, las tensiones entre la formación de la identidad comunitaria e individual, y el deseo existencial de pertenencia.

Obtuvo su Licenciatura en Bellas Artes (BFA) en el Atlanta College of Art en 1998 y su Maestría en Estudios Culturales en la Universidad de las Indias Occidentales en 2013. Participó en la Bienal de Liverpool en 2010 y en la XII Bienal de La Habana (2015). Su obra ha sido expuesta en galerías, museos e instituciones internacionales, como el Museo de Brooklyn (NY); el Museo de Arte Latinoamericano (Long Beach, CA); el Museo de Arte de las Américas (Washington, D.C.); la Galería Bunkier Sztuki (Cracovia, Polonia); la Galería Transmission (Glasgow, Escocia); y la Galería Golden Thread (Belfast, Irlanda).

Teresa Baker

Mediante una práctica de técnica mixta que combina materiales artificiales y naturales, Teresa Baker (n. 1985, Watford City, Dakota del Norte; vive y trabaja en Los Ángeles) crea paisajes abstractos que exploran el vasto espacio y cómo nos movemos, vemos y exploramos en él. Los materiales, las texturas, las formas y las relaciones cromáticas se inspiran en la cultura Mandan/​Hidatsa de Baker para explorar… Cómo la identidad puede relacionarse con los objetos innatos.

Baker obtuvo su licenciatura en la Universidad de Fordham en 2008 y su maestría en Bellas Artes en el California College of the Arts en 2013. Recientemente ha realizado exposiciones individuales en la Broadway Gallery de Nueva York; el Arts Club de Chicago; de boer, Los Ángeles; el Scottsdale Museum of Contemporary Art de Arizona; Halsey McKay, East Hampton; y Pied-à-terre, San Francisco. Ha participado en exposiciones colectivas en instituciones como el Hammer Museum de Los Ángeles; el Nerman Museum de Overland Park; el Ballroom de Marfa; y el Marin MOCA de California. Baker es becaria Joan Mitchell de 2022 y fue artista residente en Fogo Island Arts de Terranova en 2022. Fue becaria Native American de 2020 en la Ucross Foundation de Ucross; y artista residente del Premio Tournesol en el Headlands Center for the Arts de Sausalito.

Andrea Carlson

Andrea Carlson (n. 1979, EE. UU.; vive y trabaja en Grand Marais, Minnesota) es una artista visual que trabaja principalmente sobre papel, creando superficies pintadas y dibujadas con diversos medios. Su práctica aborda la tierra y los espacios institucionales, las narrativas de descolonización y las metáforas de asimilación en el cine.

Carlson obtuvo una licenciatura en la Universidad de Minnesota en 2003 y una maestría en Bellas Artes en el Minneapolis College of Art & Design en 2005. Su obra ha sido adquirida por instituciones como el Museo Whitney de Arte Americano de Nueva York; el Centro de Arte Walker de Minneapolis; el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago; el Museo de Arte de Denver; y la Galería Nacional de Canadá, en Ottawa. Participó en la Bienal de Arte de Toronto de 2022 y recibió la beca McKnight en 2008, el premio Joan Mitchell Foundation Painters and Sculptors en 2017, el premio Chicago Artadia en 2021, la beca United States Artists en 2022 y el premio Creative Capital en 2024. Carlson es cofundadora del Center for Native Futures en Chicago, un espacio artístico dedicado à la obra de artistas indígenas.

Bethany Collins

Bethany Collins (n. 1984, Montgomery, Alabama; vive y trabaja en Chicago) es una artista multidisciplinaria cuya práctica conceptual examina la relación entre raza y lenguaje. Centrándose en el lenguaje —sus sesgos, contradicciones y su capacidad para forjar conexiones y fomentar la violencia simultáneamente — , sus obras iluminan el pasado de Estados Unidos y ofrecen una perspectiva sobre el desarrollo de las identidades raciales y nacionales. Basándose en una amplia variedad de documentos, desde partituras musicales del siglo XIX hasta informes del Departamento de Justicia de Estados Unidos, borra, oculta, extrae y reescribe fragmentos de texto para visibilizar cuestiones relacionadas con la raza, el poder y las historias de violencia.

Collins obtuvo su licenciatura en la Universidad de Alabama en 2007 y una maestría en Bellas Artes en la Universidad Estatal de Georgia en 2012. Su obra se ha exhibido en exposiciones individuales y colectivas en todo el país, incluyendo en el Studio Museum de Harlem, Nueva York; el Museo de Arte de Filadelfia, Pensilvania; el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago, Illinois; el Museo de Arte Contemporáneo de Denver, Colorado; el High Museum of Art de Atlanta, Georgia; y el Museo de Arte de Birmingham, Alabama. Collins fue reconocida como Artista en Residencia en el Studio Museum de Harlem en 2013 – 2014, recibió el Premio Hudgens en 2015 y recibió una Beca Joan Mitchell en 2022.

Thomas Deaton

Thomas Deaton (n. 1988, Lafayette, Luisiana; vive y trabaja en Nueva Orleans) es originario de Luisiana y tiene formación en grabado y dibujo. En sus obras más recientes, explora historias ocultas de belleza con el telón de fondo de barrios olvidados. Se inspira en sus recuerdos personales, la historia y la vida en Nueva Orleans, y construye una perspectiva fascinante de la vida en el paisaje urbano costero del sur. En sus paisajes urbanos narrativos, Deaton captura instantáneas de barrios al borde de la decadencia, contrastados por vibrantes atardeceres y exuberante vegetación. Estas áreas, perpetuamente sumergidas en una inundación metafórica, simbolizan los aspectos olvidados y desatendidos de la vida urbana.

Deaton obtuvo su Licenciatura en Bellas Artes (BFA) en la Universidad de Luisiana en Lafayette en 2011, y una Maestría y un Máster en Bellas Artes (MFA) en la Universidad de Iowa en 2014 y 2015, respectivamente. Su obra ha cosechado reconocimiento, incluyendo logros notables como el segundo puesto en la exposición Louisiana Contemporary 2019 en Nueva Orleans y su participación en New American Paintings, South Issue en 2020. Ha expuesto localmente en las Galerías Lemieux, la Galería Good Children, The Building, el Hotel Old #77 y el Museo Ogden de Arte Sureño de Nueva Orleans, Luisiana.

Christian Việt Đinh

La obra de Christian Việt Đinh (nacido en 1992 en San Petersburgo, Florida; vive y trabaja en Nueva Orleans) se centra en su experiencia como ciudadano vietnamita-estadounidense de segunda generación y en la cultura vietnamita que se desarrolló en Estados Unidos tras la guerra de Vietnam. Su obra artística redirige el estigma y celebra la identidad vietnamita-estadounidense al confrontar el racismo, los estereotipos y la subrepresentación.

Đinh recibió una Licenciatura en Bellas Artes de la Universidad de West Florida, Pensacola en 2017 y una Maestría en Bellas Artes de la Universidad de Tulane en 2022. Su trabajo ha aparecido en numerosas exposiciones, entre ellas Focus Spotlight: Nail Salon y Knowing Who We Are: The Contemporary Dialogue en el Museo de Arte Sureño de Ogden, Nueva Orleans, LA; Exposición Trienal Delta en el Museo de Bellas Artes de Arkansas, Little Rock, AR; Legacy Traces: Adiciones recientes à la colección del museo en el Museo de Arte Newcomb, Nueva Orleans, LA; y Trường Ca Mươi Ngàn Năm en el Museo de Arte Ohr-O’Keefe, Biloxi, MS. Además, fue beneficiario del Fondo Take Notice 2023 de la National Performance Network. El trabajo de Đinh ha aparecido en PBS Newshour , The New York Times , Ceramic Monthly , The Times Picayune , Frieze Magazine y Burnaway .

Jeannette Ehlers

Jeannette Ehlers (nacida en 1973 en Holstebro, Dinamarca; vive y trabaja en Copenhague, Dinamarca) es una artista residente en Copenhague, de ascendencia danesa y trinitense, cuya práctica se desarrolla experimentalmente a través de la fotografía, el vídeo, la instalación, la escultura y la performance. Su obra a menudo evoca fantasmas y disrupciones decoloniales que nos recuerdan que la historia no es cosa del pasado. Ehlers insiste en la posibilidad de empoderamiento y sanación en su arte, honrando los legados de resistencia de la diáspora africana.

Ehlers se graduó de la Real Academia Danesa de Bellas Artes en 2006. Ha expuesto en instituciones internacionales, como la Bienal Momenta de Montréal (Canadá); el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago (Illinois); el Centro Pompidou-Metz (Francia); el Kunsthal Charlottenborg de Copenhague (Dinamarca); el Museo de Arte Contemporáneo de Detroit (Michigan); y la Galería de Arte de Ontario (Toronto, Canadá), entre otras. Ehlers es cocreadora del proyecto de escultura pública I Am Queen Mary (2018), en Copenhague (Dinamarca), y fue preseleccionada para crear un monumento nacional à la Generación Windrush en la estación de Waterloo de Londres en 2022. Es miembro de The Lockward Collective, que fue seleccionada para realizar el Monumento Decolonial en Global Village Berlin (2024).

L. Kasimu Harris

L. Kasimu Harris (nacido en 1978 en Nueva Orleans; vive y trabaja en Nueva Orleans) es un artista residente en Nueva Orleans cuya práctica incorpora diversos recursos estratégicos y conceptuales para impulsar narrativas. Su objetivo es contar historias de comunidades subrepresentadas en Nueva Orleans y más allá.

Harris obtuvo una Licenciatura en Administración de Empresas (BBA) en Emprendimiento de la Middle Tennessee State University en 2004 y una Maestría en Periodismo de la University of Mississippi en 2008. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas en los EE. UU. e internacionalmente. Su serie en curso Vanishing Black Bars & Lounges (2018 – ) ha sido presentada en exposiciones individuales en el August Wilson African American Cultural Center, Pittsburgh, PA, y en el Hilliard Art Museum, Lafayette, LA. Los escritos y fotografías de Harris aparecieron en ​“A Shot Before Last Call: Capturing New Orleans’s Vanishing Black Bars” en The New York Times . Su obra forma parte de las colecciones permanentes del New Orleans Museum of Art, Ogden Museum of Southern Art y Newcomb Art Museum, Nueva Orleans, LA; The Wedge Collection, Toronto, Canadá; Center of Photography at Woodstock, Kingston, NY; NoVo Foundation, Nueva York, NY; Fort Wayne Museum of Art, IN; The Do Good Fund, Columbus, GA; y el Museo de Arte Crystal Bridges, Bentonville, AR.

Blas Isasi

Blas Isasi (n. 1981, Lima, Perú; vive y trabaja en Nueva Orleans y San Luis) intenta restaurar las cualidades y propiedades intrínsecas de las materias primas (madera, metal, tela, etc.) en su trabajo a través de una metodología de prueba y error, permitiendo que los materiales tengan un papel activo en el proceso de creación artística y liberándolos del hechizo de la objetualidad.

Isasi recibió una Licenciatura en Bellas Artes de la Pontificia Universidad Católica del Perú en 2005 y una Maestría en Bellas Artes de la Universidad de Tulane en 2020. También es exalumno del programa postacadémico de la Jan van Eyck Academie en los Países Bajos. Su exposición individual más reciente, An idea is just the shape of a flower , se presentó en The Front, Nueva Orleans, LA (2022). Isasi también es el Becario de Docencia Henry L. y Natalie E. Freund 2024 – 25 en la Sam Fox School of Design and Visual Arts, una beca que culminará en una exposición individual en el Saint Louis Art Museum, su primera exposición individual institucional en los EE. UU. En 2015, Isasi recibió la Beca Braunschweig PROJECTS otorgada por HBK (Universidad de las Artes de Brunswick) y el Ministerio de Ciencia y Cultura de Baja Sajonia, Alemania. En 2021, fue artista residente en el Joan Mitchell Center en Nueva Orleans.

Brian Jungen

Brian Jungen (n. 1970, Fort St. John, Columbia Británica, Canadá; vive y trabaja en el territorio del Tratado 8, Columbia Británica, Canadá) es un artista y ganadero jubilado que reside en el territorio tradicional de la Nación Dane-Zaa, dentro del Tratado 8, en el norte de Columbia Británica. Ha expuesto sus obras internacionalmente desde 1998. Su obra ha desafiado la definición de lo que puede ser el arte indígena mediante la exploración de diversos métodos y temas, entre ellos: la relación del ser humano con los animales a través de la arquitectura, la caza, la revisión de las cualidades formales de la escultura modernista y la fusión de la cultura indígena y popular mediante la reutilización de objetos encontrados.

Jungen se licenció en Bellas Artes en el Emily Carr College of Art + Design en 1992. Entre sus premios y residencias se incluyen el Premio Gershon Iskowitz (2010), el Capp Street Project (2004), el Premio de Arte Sobey (2002) y la residencia en el Banff Centre for the Arts (1998). Jungen ha expuesto en el Hannover Kunstverein (Alemania), el Bonner Kunstverein (Alemania), la Art Gallery of Ontario (Toronto, Canadá), la Documenta (13), la 9.ª Bienal de Shanghái, el Museo Nacional del Indio Americano (Washington, D. C.), la 16.ª Bienal de Sídney, la 9.ª Bienal de Lyon, el Musée d’art contemporain de Montréal (Canadá), la Tate Modern (Londres, Reino Unido), la Vancouver Art Gallery (Canadá), el New Museum (Nueva York, EE. UU.), entre otros.

Cathy Lu

Cathy Lu (n. 1984, Miami, Florida; vive y trabaja en Richmond, California) crea esculturas e instalaciones de cerámica que manipulan la imaginería y la representación tradicional china para deconstruir las suposiciones sobre la identidad y la autenticidad cultural de la diáspora china. Analizar cómo las experiencias de inmigración, mestizaje cultural y asimilación cultural se convierten en parte de la identidad estadounidense es fundamental para su obra.

Lu obtuvo su licenciatura y su licenciatura en Bellas Artes en la SMFA de la Universidad de Tufts, y su maestría en Bellas Artes en el Instituto de Arte de San Francisco. Ha participado en programas de residencia artística en el Kohler Arts Center, el Bemis Center for the Arts, Recology San Francisco, Greenwich House Pottery NYC y la Fundación Archie Bray. Su obra se ha exhibido en The Armory Show de Nueva York; Art Basel Hong Kong; SFMOMA, el Centro Cultural Chino, la Galería Jessica Silverman y Root Division, todas en San Francisco; AB Projects y Tiger Strikes Asteroid en Los Ángeles; y la Galerie du Monde de Hong Kong. Lu fue becaria del Consejo Cultural Asiático/​Fundación de Arte Contemporáneo de Pekín en 2019 y ganó el Premio SECA del SFMOMA en 2022. Su obra se ha incluido recientemente en la colección del Museo de Arte Asiático de San Francisco, el SFMOMA y el Instituto de Arte Contemporáneo de Miami.

Tessa Mars

Tessa Mars (n. 1985, Puerto Príncipe; vive y trabaja en Puerto Príncipe y San Juan, Puerto Rico) es una artista visual haitiana que explora el género, el paisaje, la migración y la espiritualidad en relación con la historia haitiana. Trabajando principalmente con pintura y papel maché, la artista se distancia de las narrativas coloniales para reconectar con una perspectiva haitiana del mundo y abrazar otras formas de pertenencia colectiva.

Mars recibió una BFA de la Universidad Rennes 2 en Francia en 2006. Ha tenido exposiciones individuales en Casa del Lago en la Ciudad de México, México; Le Centre d’Art, así como en el Instituto Francés, Puerto Príncipe, Haití; y ha participado en exposiciones colectivas en Tiwani Gallery, Londres, Reino Unido; Denver Art Museum, CO; Framer Framed, Ámsterdam, Países Bajos; Kulturstiftung Basel H. Geiger, Basilea, Suiza; la 10ª Bienal de Berlín, Alemania; los Ateliers ​’89, Oranjestad, Aruba; Alice Yard, Puerto España, Trinidad y Tobago; Musée du Panthéon National Haïtien, Puerto Príncipe, Haití; 30º Simposio Internacional de Arte Contemporáneo de Baie-Saint-Paul, Canadá; y el pabellón haitiano en la 54ª Bienal de Venecia. Mars es exalumna de la Rijksakademie van Beeldende Kunsten en Ámsterdam.

Meleko Mokgosi

Meleko Mokgosi (n. 1981, Francistown, Botsuana; vive y trabaja en Wellesley, Massachusetts) es artista, profesora asociada y directora de Estudios de Posgrado en Pintura y Grabado en la Escuela de Arte de Yale, y cofundadora y directora del Programa Interdisciplinario de Arte y Teoría. Sus obras a gran escala, figurativas y a menudo textuales, se inspiran en la pintura histórica y los tropos cinematográficos para investigar la historiografía, la democracia y los movimientos de liberación en África y la diáspora.

Mokgosi se licenció en el Williams College en 2007 y participó en el Programa de Estudios Independientes del Museo Whitney de Arte Estadounidense ese mismo año. Obtuvo su maestría en Bellas Artes en el Programa de Estudio Interdisciplinario de la UCLA en 2011 y fue artista residente en el Studio Museum de Harlem entre 2011 y 2012. Su obra se ha exhibido internacionalmente, con exposiciones en el Museo de Arte de San Luis (Missouri); la Galería de Arte de la Universidad de York (Toronto, Canadá); el Museo de Arte Pérez (Miami, Florida); el Museo Nacional de Botsuana (Gaborone, Botsuana); el Museo Fowler de la UCLA (California); el Instituto de Arte Contemporáneo (Boston, Massachusetts); el Museo de Arte del Savannah College of Art and Design (Georgia); el Museo de Arte Carnegie (Pittsburgh, Pensilvania); entre muchos otros. Su obra forma parte de colecciones públicas como las del Studio Museum de Harlem (Nueva York); el Museo Hammer (Los Ángeles, California); y la Fundación Louis Vuitton (París, Francia).

Tuấn Andrew Nguyễn

Tuấn Andrew Nguyễn (nacido en 1976 en Saigón; vive y trabaja en Ciudad Ho Chi Minh, Vietnam) es un artista cuya obra utiliza estrategias de memoria para visibilizar historias no oficiales y suprimidas. Entrelazando lo factual con lo especulativo, y a menudo empleando mitologías de mundos sobrenaturales, las películas, instalaciones y prácticas escultóricas de Nguyễn reelaboran narrativas dominantes en relatos que proponen formas creativas de abordar los traumas intergeneracionales del colonialismo, la guerra y el desplazamiento.

Nguyễn se licenció en Bellas Artes por la Universidad de California, Irvine, en 1999 y obtuvo una maestría en Bellas Artes por el Instituto de Artes de California en 2004. Es miembro fundador de The Propeller Group, una entidad que se posiciona entre una agencia de publicidad y un colectivo artístico. Recientemente presentó una exposición individual en el New Museum de Nueva York y su obra ha sido incluida en importantes festivales, bienales y exposiciones internacionales, incluyendo la 12.ª Bienal de Berlín; Manifesta 14; la Trienal de Aichi; la Bienal de Dakar; la Bienal de Arte Asiático del Museo Nacional de Bellas Artes de Taiwán; el SFMOMA de San Francisco; la Bienal de Sharjah de 2019; la Bienal del Whitney de 2017; entre muchas otras. Nguyễn recibió el Premio Joan Miró 2023. Su obra está incluida en las colecciones permanentes de instituciones como el Museo de Arte de Filadelfia, el MoMA, el Museo Solomon R. Guggenheim y el Museo Whitney de Arte Estadounidense.

Brooke Pickett

Brooke Pickett (n. 1980, Shreveport, Luisiana; vive y trabaja en Nueva Orleans) es una artista cuyas pinturas exploran la relación de las mujeres con el hogar: con el entorno doméstico, con la promesa de seguridad y con el hogar como una utopía fallida. Bajo los colores cuidadosamente colocados y los objetos domésticos reconocibles se esconde la búsqueda incesante de reorganizar de forma lúdica y urgente nuestras vidas, nuestros recuerdos y nuestros hogares, a pesar de, o precisamente porque, nuestro mundo se desmorona: la infraestructura de nuestra democracia, nación, ciudades y hogares.

Pickett obtuvo una licenciatura en Pintura y Literatura por la Universidad Estatal de Luisiana en 2002 y una maestría en Bellas Artes en Pintura por la Universidad Estatal de Nueva York en Albany en 2005. Ha expuesto en instituciones como el Centro de Arte Contemporáneo de Nueva Orleans, Luisiana; BravinLee, Nueva York, Nueva York; MASS Gallery, Austin, Texas; Feral, Ciudad de México, México; y BOX13 ArtSpace, Houston, Texas; entre otras. Pickett fue profesora adjunta visitante de Pintura en el Middlebury College, Vermont, y miembro de la galería The Front, dirigida por artistas. Su obra forma parte de numerosas colecciones privadas y públicas, incluyendo la del Museo de Arte de Nueva Orleans.

Stephanie Syjuco

Stephanie Syjuco (n. 1974, Manila; vive y trabaja en Oakland, California) trabaja con fotografía, escultura e instalación, pasando de medios artesanales à la edición digital y la excavación de archivos. Recientemente, se ha centrado en cómo la fotografía y los procesos basados en la imagen influyen en la construcción de narrativas racializadas y excluyentes de la historia y la ciudadanía estadounidenses.

Syjuco obtuvo su Licenciatura en Bellas Artes en el Instituto de Arte de San Francisco y una Maestría en Bellas Artes en la Universidad de Stanford. Ha recibido la Beca Guggenheim, el Premio Joan Mitchell de Pintores y Escultores y el Premio de la Fundación Tiffany. Su obra se encuentra en numerosas colecciones, entre ellas las del Museo de Arte Moderno de Nueva York; el Museo Metropolitano de Nueva York; el Museo Getty de Los Ángeles; el Museo Whitney de Arte Estadounidense de Nueva York; el Museo de Arte Moderno de San Francisco; y el Museo Smithsonian de Arte Estadounidense de Washington, D. C.; entre otras. Fue Becaria de Investigación Artística del Smithsonian en el Museo Nacional de Historia Estadounidense de Washington, D. C. en 2019 – 20, y aparece en la aclamada serie documental de PBS, Art21: Art in the Twenty-First Century. Con una larga trayectoria docente, es Profesora Asociada de Escultura en la Universidad de California, Berkeley.

Ashley Teamer

Los collages de Ashley Teamer (n. 1991, Nueva Orleans; vive y trabaja en Nueva Orleans y Nueva York) exploran las relaciones entre el cuerpo, la naturaleza, el espacio y el tiempo. Estos temas se representan mediante instantáneas originales y materiales encontrados, cosidos y pegados. Como artista visual y DJ, utiliza el sonido para intervenir creativamente en la arquitectura interior y exterior, revelando la maleabilidad de nuestro entorno construido. El trabajo actual de Teamer explora la tierra y el cuerpo como inseparables. Los diques y malecones crean una ilusión de separación y seguridad entre la civilización y el mar. De igual manera, la piel se percibe como una barrera protectora que separa completamente nuestros órganos internos de la naturaleza. Sin embargo, las inundaciones constantes y la ubicuidad del cáncer revelan que ambas estructuras son porosas. Su trabajo imagina un futuro donde convivimos más armoniosamente con el agua.

Teamer obtuvo su Maestría en Bellas Artes (MFA) en la Universidad de Yale en 2022. Ha realizado exposiciones individuales en la Universidad Siena Heights, Adrian, Michigan, y en 4^th Ward Project Space, Chicago, Illinois. Su obra también ha formado parte de exposiciones colectivas en el Museo de Arte Moderno de San Francisco, California; el Museo de Arte Everson, Syracuse, Nueva York; y la Galería Antenna, Nueva Orleans, Luisiana; entre otros. Ha sido artista residente en la Escuela de Pintura y Escultura Skowhegan, ACRE, y en la Escuela de Arte Ox-Bow.