Alexandra Bell

Alexandra Bell es una artista multidisciplinaria que investiga las complejidades de la narrativa, el consumo de información y la percepción. Utilizando diversos medios, deconstruye el lenguaje y las imágenes para explorar la tensión entre las experiencias marginales y las historias dominantes. A través de la investigación, considera cómo los marcos mediáticos construyen la memoria e influyen en las prácticas discursivas en torno à la raza, la política y la cultura.

Alexandra Bell nació en Chicago en 1983. Es licenciada en Estudios Interdisciplinarios en Humanidades por la Universidad de Chicago y tiene una maestría en Periodismo por la Universidad de Columbia.

Su obra se ha exhibido en la Galería Jeffrey Deitch de Nueva York; la Galería Charlie James de Los Ángeles; el MoMA PS1 de Nueva York; We Buy Gold de Nueva York; la Galería Koenig & Clinton de Nueva York; la Fundación Nathan Cummings; Atlanta Contemporary; el Museo de Arte del Pomona College; el Museo de Arte Spencer de la Universidad de Kansas; y la Galería Usdan del Bennington College. Recibió el Premio Infinity del Centro Internacional de Fotografía en 2018 en la categoría aplicada y es becaria Soros Equality de 2018. Es residente de Pioneer Works en 2020. Vive y trabaja en Brooklyn.

Tania Bruguera

Tania Bruguera es una artista y activista cuyas performances e instalaciones examinan las estructuras de poder político y su efecto en las personas más vulnerables de la sociedad. Sus proyectos a largo plazo han consistido en intervenciones intensivas sobre la estructura institucional de la memoria colectiva, la educación y la política. Bruguera ha recibido numerosos reconocimientos, como el Premio Robert Rauschenberg, una Beca Guggenheim y la Fundación Príncipe Claus, y su obra se ha expuesto extensamente en todo el mundo, incluyendo la Comisión de la Sala de Turbinas de la Tate y la Documenta 11.

Tania Bruguera nació en 1968 en La Habana, Cuba. Posee una Maestría en Bellas Artes en Performance por la Escuela del Instituto de Arte de Chicago, así como títulos del Instituto Superior de Arte y la Escuela de Artes Plásticas San Alejandro en La Habana, Cuba. Su obra forma parte de las colecciones del Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York; el Museo de Arte Moderno de Nueva York; el Van Abbemuseum de Países Bajos; la Tate Modern de Londres; y el Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana, Cuba. Ha sido nombrada Doctora Honoris Causa por el Maryland Institute College of Art y por su alma máter. Vive y trabaja en Queens.

El Centro de Pedagogía Urbana

El Centro de Pedagogía Urbana (CUP) es una organización sin fines de lucro que utiliza el poder del diseño y el arte para fomentar la participación cívica significativa, especialmente entre las comunidades subrepresentadas. Los proyectos del CUP desmitifican los problemas de política y planificación urbana que impactan a nuestras comunidades, para que más personas puedan participar mejor en su desarrollo.

Creemos que aumentar la comprensión de cómo funcionan estos sistemas es el primer paso hacia una participación comunitaria mejor y más diversa.

Los proyectos CUP son colaboraciones entre profesionales del arte y el diseño, defensores y legisladores comunitarios, y nuestro personal. Juntos abordamos problemas complejos, desde el sistema de justicia juvenil hasta la legislación urbanística y el acceso a los alimentos, y los desglosamos en explicaciones visuales sencillas y accesibles. Las herramientas que crean son utilizadas por organizadores y educadores de toda la ciudad de Nueva York y más allá para ayudar a sus ciudadanos a defender mejor las necesidades de su comunidad.

Alex Da Corte

Alex Da Corte nació en 1980 en Camden, Nueva Jersey. Obtuvo una licenciatura en Bellas Artes en la Universidad de las Artes de Filadelfia y una maestría en Bellas Artes en la Escuela de Arte de la Universidad de Yale. Da Corte participó recientemente en la Bienal de Venecia de 2019, en la exposición internacional «May You Live in Interesting Times», comisariada por Ralph Rugoff, y en la 57.ª edición del Carnegie International en Pittsburgh. Ha expuesto individualmente en el Kölnischer Kunstverein de Colonia (Alemania); Karma (Nueva York); Secession (Viena); el Museo Hammer de Los Ángeles; el MASS MoCA de North Adams (Massachusetts); el Museo Boijmans van Beuningen de Róterdam (Países Bajos); y el Instituto de Arte Contemporáneo de Filadelfia. Vive y trabaja en Filadelfia.

Jeremy Deller

Jeremy Deller es un artista inglés de conceptualismo, video e instalación. Gran parte de su obra es colaborativa; posee un fuerte componente político en los temas que aborda y también en la devaluación del ego artístico mediante la participación de otras personas en el proceso creativo. Deller es conocido por su Batalla de Orgreave (2001), una recreación de la Batalla de Orgreave, ocurrida durante la huelga minera del Reino Unido en 1984, y por su obra de 2016 ” Estamos aquí porque estamos aquí” .

Jeremy Deller nació en 1966 en Londres, donde actualmente reside y trabaja. Ganó el Premio Turner en 2004 y en 2010 recibió la Medalla Albert de la Real Sociedad para el Fomento de las Artes, las Manufacturas y el Comercio (RSA).

Shannon Finnegan

Shannon Finnegan es una artista multidisciplinaria nacida en 1989. Ha realizado proyectos con Banff Centre, Canadá; High Line, Nueva York; Tallinn Art Hall, Estonia; Nook Gallery, Oakland, CA; y Wassaic Project, Nueva York. Ha hablado sobre su trabajo en el Brooklyn Museum, Nueva York; School for Poetic Computation, Nueva York; The 8^th Floor, Nueva York; y The Andrew Heiskell Braille and Talking Book Library, Nueva York. En 2018, recibió un premio Wynn Newhouse y participó en la residencia Art + Disability de Art Beyond Sight. En 2019, fue artista residente en Eyebeam. Se ha escrito sobre su trabajo en Art in America , The Creative Independent, C Magazine , Hyperallergic y The New York Times . Vive y trabaja en Brooklyn.

LaToya Ruby Frazier

La práctica artística de LaToya Ruby Frazier abarca una gama de medios que incorpora fotografía, video y performance, y se centra en el nexo entre la justicia social, el cambio cultural y la reflexión sobre la experiencia estadounidense. Citando a Gordon Parks como influencia, Frazier utiliza la cámara como arma y convierte la injusticia y el desplazamiento en una reflexión sobre la vida, el trabajo y la historia a través del poderoso acto de la creación artística.

LaToya Ruby Frazier nació en 1982 en Braddock, Pensilvania y ha sido objeto de numerosas presentaciones individuales en el Museo de Brooklyn; el Museo de Arte de Seattle; el Instituto de Arte Contemporáneo, Boston; el Museo de Arte Contemporáneo, Houston; el Musée des Arts Contemporains, Grand-Hornu, Bélgica; CAPC Musée d’Art Contemporain de Bordeaux, Francia; Carré d’Art — musée d’art contemporain de Nîmes, Francia; Silver Eye Center for Photography, Pittsburgh; August Wilson Center, Pittsburgh; Frost Art Museum, Miami; Musée d’art Moderne, Luxemburgo; y el Museo Newcomb de la Universidad de Tulane, Nueva Orleans.

Su obra está incluida en célebres colecciones internacionales, entre ellas, las del Museo de Arte Moderno de Nueva York; el Studio Museum de Harlem; el Museo de Brooklyn; el Museo de Arte del Bronx; el Museo Whitney de Arte Estadounidense de Nueva York; el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York; el Museo de Arte Carnegie de Pittsburgh; el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago; el Museo de Arte de Baltimore; el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles; el Museo J. Paul Getty de Los Ángeles; el Museo Lucas de Arte Narrativo de Los Ángeles; el Museo de Arte de Seattle; el Museo de Arte de Dallas; la Galería de Arte de Ontario de Toronto; el Museo de Arte Nasher de la Universidad de Duke de Durham (Carolina del Norte); el Museo de Arte de Princeton; la Biblioteca del Congreso de Washington D. C.; y el Centro Georges Pompidou de París, entre muchas otras. Recibió la beca de la Fundación John D. y Catherine T. MacArthur en 2015 y, en 2020, Frazier fue nombrada la primera ganadora del premio Gordon Parks Foundation/​Steidl para artistas cuyas prácticas reflejan y amplían el legado de Gordon Parks de utilizar la fotografía como herramienta para promover la justicia social. Frazier publicará un libro con Steidl, previsto para la primavera de 2021.

Nan Goldin

Nan Goldin nació en Washington D. C. en 1953. Vive y trabaja en la ciudad de Nueva York. Una de las artistas más importantes e influyentes de su generación, Goldin ha revolucionado el arte de la fotografía con sus retratos francos y profundamente personales. A lo largo de los últimos 45 años, Goldin ha creado algunas de las imágenes más imborrables de los siglos XX y XXI. Desde finales de la década de 1970, su obra ha explorado las nociones de género y las definiciones de normalidad. Al documentar su vida y la de sus amigos, Goldin da voz y visibilidad a sus comunidades. En 2017, Goldin formó el grupo activista PAIN (Intervención para la Adicción a los Medicamentos Recetados), que organiza protestas contra las compañías farmacéuticas estadounidenses.

La obra de Goldin se ha exhibido recientemente en la Tate Modern, Londres (2019); el Château de Versailles, Francia (2018); Château d’Hardelot, Condette, Francia (2018); el Irish Museum of Modern Art, Dublín (2017); el Museum of Modern Art, Nueva York (2016); Nederlands Fotomuseum, Rotterdam, Países Bajos (2010); Museo del Louvre, París, Francia (2010); y una importante muestra itinerante de mitad de carrera que comenzó en el Whitney Museum of American Art, Nueva York en 1996 y viajó al Kunstmuseum Wolfsburg, Alemania; Stedelijk Museum, Ámsterdam, Países Bajos; Fotomuseum Winterthur, Winterthur, Suiza; Kunsthalle Wien, Viena, Austria; y el Museo Nacional, Praga, República Checa.

Ha recibido numerosos premios, entre ellos el Premio Ruth Baumgarte, Museo Sprengel, Hannover, Alemania (2019); la Medalla del Centenario, Londres (2018); el Premio Hasselblad, Gotemburgo, Suecia (2007); el Commandeur des Arts et des Lettres, Francia (2006); y el DAAD, Programa de Artistas en Residencia, Berlín (1991).

Ann Hamilton

Ann Hamilton es una artista visual cuya práctica se centra en las estructuras metafóricas y los procesos materiales de los textiles, y se materializa en instalaciones a gran escala que responden al lugar, colaboraciones performáticas, medios impresos y proyectos públicos. Inspiradas en las historias y geografías del lugar, las múltiples formas de la obra a menudo yuxtaponen expresiones del lenguaje y la materialidad táctil para explorar las relaciones entre lo individual y lo colectivo, lo animado y lo inanimado, lo humano y lo no humano, lo silencioso y lo hablado. Ya sea que se trate de un edificio de cuatro pisos o confinados à la superficie de un dedal, las cualidades de estos espacios, objetos y sus atmósferas evocan una conciencia del lugar y la escala del cuerpo para preguntarse cómo, en un mundo tecnológicamente extendido, importan las alfabetizaciones de la mano y el conocimiento corporal, y la posibilidad de cultivar la atención en un mundo de información hiperdistraído.

Adelita Husni-Bey

Adelita Husni-Bey es artista y pedagoga, interesada en el anarcocolectivismo, el teatro, el derecho y los estudios urbanos. Organiza talleres, produce publicaciones, programas de radio, archivos y exposiciones centradas en el uso de modelos pedagógicos no competitivos en el marco del arte contemporáneo. Trabaja con activistas, arquitectos, juristas, escolares, poetas de palabra hablada, actores, urbanistas, fisioterapeutas, atletas, docentes y estudiantes de diversos ámbitos, y su trabajo se centra en desentrañar la complejidad de la colectividad. Para reparar lo que nunca podrá repararse: lo que nos debemos unos a otros.

Entre sus últimas exposiciones individuales se incluyen: White Paper: On Land, Law and the Imaginary, Centro de Arte dos de Mayo, Móstoles, A Wave in the Well, Museo Sursock, Beirut, 2016, Movement Break, Fundación Kadist, 2015, Playing Truant, Gasworks, 2012. Ha participado en Being: New Photography 2018, MoMA, 2018, Dreamlands, Museo Whitney, 2016, The Eighth Climate, 11ª Bienal de Gwangju, 2015, Really Useful Knowledge, Museo Reina Sofía, 2014, Utopia for Sale?, Museo MAXXI, 2014 y ha impartido talleres y conferencias en ESAD Grenoble, 2016, The New School, 2015, Sandberg Institute, 2015, Museo del 900, 2013, Temple University, 2013, Birkbeck University, 2011, entre otros. Otros espacios. Fue becaria del Programa de Estudios Independientes Whitney en 2012 y de la Fundación Graham en 2016. Representó a Italia en la Bienal de Arte de Venecia de 2017 con un video basado en las luchas antiextractivistas.

Ekene Ijeoma

Ekene Ijeoma es artista, profesor del MIT y fundador y director del grupo de Justicia Poética del MIT Media Lab. A través de su estudio y laboratorio en el MIT, Ijeoma investiga la desigualdad social en diversos campos, como las ciencias sociales, para desarrollar obras de arte en sonido, vídeo, multimedia, escultura e instalación. A partir de estudios de datos y experiencias vitales, y utilizando estrategias de diseño computacional y arte conceptual, replantea problemáticas sociales a través de obras que encarnan y empoderan verdades ignoradas dentro de los sistemas de opresión.

Las obras actuales en desarrollo de Ijeoma y su laboratorio Poetic Justice incluyen ​“A Counting” , una serie de obras artísticas realizadas por teléfono e internet, y ​“Black Mobility and Safety in the US”, una serie de conferencias públicas, conversaciones y paneles. ​“A Counting” es una serie continua de retratos de voz, tanto en video como en sonido, de ciudades estadounidenses que exploran la desigualdad lingüística y étnica en el Censo de EE. UU. contando hasta cien con un idioma diferente para cada número. En otoño de 2020, se lanzaron tres ediciones para la ciudad de Nueva York, Houston y Omaha en colaboración con el Museo de la Ciudad de Nueva York, la Biblioteca Pública de Brooklyn, el Museo de Arte Contemporáneo de Houston y el Centro Bemis de Arte Contemporáneo.

Movilidad y seguridad para negros es una serie pública de dos semestres lanzada en otoño de 2020 en el MIT Media Lab, que explora las desigualdades sistémicas de vivir siendo negro en los EE. UU. La serie incluye conferencias y paneles sobre dar a luz, respirar, dormir, comer y caminar (semestre de otoño de 2020); y aprender, votar, conducir, trabajar y amar (semestre de primavera de 2020). Los invitados para el semestre de otoño de 2020 incluyen a Hank Willis Thomas (artista), Hugh Hayden (artista), la profesora Arline Geronimus (Universidad de Michigan), el profesor Cooper Owens (Universidad de Nebraska-Lincoln), Marcus Franklin (defensor del medio ambiente), Linda Villarosa (New York Times), Tricia Hersey (The Nap Ministry), la profesora Ashanté M. Reese (UTA), el profesor Elijah Anderson (Yale) y Topher Sanders (ProPublica).

En 2018, Ijeoma presentó Pan African AIDS como parte de Germ City en el Museo de la Ciudad de Nueva York. La exposición comisionada Una serie de esculturas explora la hipervisibilidad de la epidemia del sida en África y la oculta en la comunidad afroamericana, transformando la imagen de África en América, considerando el ritmo de las infecciones por VIH en la comunidad afroamericana. En 2017, el Festival Día por la Noche encargó ​“Himnos Deconstruidos “, una serie continua de instalaciones y performances musicales que reaccionan al sonido y exploran la desigualdad en el sueño americano, repitiendo y eliminando notas del himno nacional estadounidense, considerando el ritmo del encarcelamiento masivo en Estados Unidos. La obra se presentó posteriormente en el Kennedy Center y el Arts Club de Chicago.

Eken Ijeoma nació en 1985 en Fort Worth, Texas. Se graduó con una licenciatura en Tecnología de la Información del Instituto Tecnológico de Rochester y una maestría en Diseño de Interacción de la Academia Domus. Ha impartido conferencias y realizado críticas en instituciones como Yale, la Facultad de Derecho de Harvard, Columbia, la Universidad de Nueva York, la Escuela de Artes Visuales y The New School. Su obra ha sido comisionada y presentada por museos, galerías y otras instituciones culturales, como el Museo de Arte Contemporáneo de Houston; el Centro Kennedy de Washington D. C.; el Museo de la Ciudad de Nueva York; el Arts Club de Chicago; la Fundación EDF de París; la Galería Pratt Manhattan de Nueva York; el Museo de Arte Neuberger de Nueva York; el Espacio Annenberg para la Fotografía de Los Ángeles; el Museo de Arte Moderno de Nueva York; el Museo de Diseño de Londres; la Bienal de Diseño de Estambul; y Storefront for Art and Architecture de Nueva York. Ha aparecido en la lista de los 31 diseñadores que luchan por un mundo mejor de What Can Design Do, en la lista de los 100 mejores diseñadores de GOOD que abordan problemas globales urgentes, en la lista de los 100 mejores artistas visuales de Adweek cuya imaginación e intelecto te inspirarán, y en la lista de las personas a tener en cuenta de GDUSA que encarnan el espíritu de la comunidad creativa. Ijeoma vive y trabaja en Nueva York.

El Instituto de Sociometría

Heather Link-Bergman es artista conceptual, impresora y editora. Su práctica abarca diversas formas de grabado, así como libros de artista, fanzines, collage, pintura, fotografía, performance e intervenciones. En sus investigaciones conceptuales, a menudo emplea el humor y se apropia de métodos de disciplinas no artísticas, como la comunicación de masas, la investigación de mercados, el periodismo, la antropología y las ciencias sociales. Ningún tema le es ajeno; sus exploraciones conceptuales abordan, y difuminan, diversas cuestiones, como la cultura material y de consumo, el desplazamiento, la religión, la espiritualidad y la muerte.

Link-Bergman colabora a menudo con su compañero artístico y personal, Peter Miles Bergman. Es socia de is PRESS, una consultora editorial y de diseño fundada por Peter Miles Bergman y Heather Link-Bergman. is PRESS ofrece servicios de edición, diseño, artes gráficas, impresión offset, tipográfica y serigrafía. Las ganancias financian parcialmente la edición de libros de artista de tiradas cortas, fanzines y un servicio de publicación de catálogos asociado con el Instituto de Sociometría, una cooperativa internacional de arte y comunicación con sede en Denver.

Cuando no está en su estudio ni trabajando en el campo, Link-Bergman trabaja a tiempo completo como directora de cuentas, centrándose en marketing orientado à la misión, el cambio de comportamiento y las políticas públicas. Otros logros profesionales incluyen haber sido artista docente durante tres semestres (2019−2020) para el programa para adolescentes del Museo de Arte Contemporáneo de Denver, POV (Punto de Vista).

Heather Link-Bergman nació en 1984 en Summit, Nueva Jersey. Obtuvo una licenciatura en Bellas Artes en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago. Su obra se encuentra en diversas colecciones, entre ellas, el Instituto de Arte Contemporáneo de Baltimore, Baltimore, Maryland; la Biblioteca Pública de Chicago; la Colección de Libros de Artista Joan M. Flasch, Escuela del Instituto de Arte de Chicago; la Biblioteca Ron Burnett + Learning Commons, Universidad Emily Carr, Vancouver; las Colecciones Especiales de la Universidad de Denver, Denver; la Biblioteca Tutt, Colecciones Especiales y Archivos del Colorado College, Colorado Springs, Colorado, y en colecciones privadas. Vive y trabaja en Denver.

Peter Miles Bergman es artista conceptual, impresor, editor y fundador y agente especial a cargo del Instituto de Sociometría, una cooperativa internacional de arte y comunicación con sede en Denver, Colorado. Bergman formó el grupo en 1995 tras seleccionar del diccionario el término «sociometría», que es «el análisis cuantitativo de los individuos y su relación con los grupos». O, en su jerga, «sociometría de guerrilla», que no se ajusta a los rigores de las matemáticas ni de la ciencia. Desde su fundación, el Instituto ha reunido a más de 700 agentes especiales, varias docenas de los cuales aún elaboran «informes de incidencia de sociometría» que se publican en una Feria de Sociometría cuatrienal.

La obra de Bergman se basa en la repetición continua de hábitos, patrones y lugares, y busca observar y desenmascarar la naturaleza aleatoria, humorística y profunda de la experiencia vivida. A menudo satírica en su forma final, la obra de Bergman utiliza la narrativa personal para criticar los sistemas de control social y municipal.

Bergman colabora a menudo con su socia, Heather Link-Bergman, tanto en el arte como en la vida. Es socio de is PRESS, una consultora editorial y de diseño fundada por Peter Miles Bergman y Heather Link-Bergman. is PRESS ofrece servicios de edición, diseño, artes gráficas, impresión offset, tipográfica y serigrafía. Las ganancias financian parcialmente la edición de libros de artista de tiradas cortas, fanzines y servicios de publicación de catálogos asociados con el Instituto de Sociometría.

Peter Bergman nació en 1972 en East Lansing, Michigan. Tiene una licenciatura en Arte de Estudio de la Universidad de California en San Diego y una maestría en Bellas Artes en Comunicación Visual de la Escuela del Instituto de Arte de Chicago. Ha expuesto a nivel nacional en Nueva York; Baltimore; Chicago; Denver; Las Vegas; San Diego; San Francisco; y Los Ángeles e internacionalmente en Milán, Italia y San Pablo, Brasil. Sus publicaciones de is PRESS se encuentran en varias colecciones, incluyendo el Instituto de Arte Contemporáneo de Baltimore; la Biblioteca Pública de Chicago; la Colección de Libros de Artista Joan M. Flasch en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago; Colecciones y Archivos Especiales de la Universidad DePaul, Chicago; la Biblioteca Ron Burnett + Learning Commons en la Universidad Emily Carr, Vancouver; las Colecciones Especiales de la Universidad de Denver; la Biblioteca Tutt, Colecciones y Archivos Especiales de Colorado College, Colorado Springs, CO; las Colecciones Especiales de la Universidad de Connecticut, Hartford, CN, y colecciones privadas. Bergman es Profesor Asociado de Arte en la Universidad Estatal Metropolitana de Denver y Coordinador del Programa de Diseño de Comunicación. Ha impartido docencia y ha dedicado su tiempo y talento al servicio de su comunidad, compartiendo su ingenio y sabiduría con adolescentes y artistas emergentes. Fue presidente de la junta directiva de Letterpress Depot y es un miembro activo de la comunidad de grabadores de Denver. Vive y trabaja en Denver.

Aryel René Jackson

La práctica multidisciplinaria de Aryel René Jackson considera la tierra y el paisaje como espacios de representación interna. Los temas de pérdida y transformación están arraigados en su interés y aplicación de la escultura, el vídeo y la performance mediante actos performativos y escultóricos, utilizando imágenes u objetos reutilizados.

Aryel René Jackson nació en 1991 en Monroe, Luisiana. Completó su maestría en Bellas Artes en la Universidad de Texas en Austin en 2019. Jackson es exalumno de la Escuela de Pintura y Escultura Skowhegan y realizó un programa de intercambio en el Royal College of Art en 2018. Su obra se ha exhibido en diversas galerías e instituciones como el SculptureCenter de Nueva York; la Fundación de Arte CUE de Nueva York; el Centro de Arte Contemporáneo de Nueva Orleans; el Museo de Arte DePaul de Chicago; el Studio Museum de Harlem; y el Museo de la Escuela de Diseño de Rhode Island. Actualmente reside en Austin, Texas.

Paul Ramírez Jonas

Desde la década de 1990, Paul Ramirez Jonas ha buscado desafiar la relación entre el artista, el espectador y la obra de arte. Muchos de sus proyectos invitan à la participación del espectador; en su más reciente obra pública de gran formato, Public Trust, pidió a los participantes que examinaran el valor de su palabra; cada individuo declaró una promesa plasmada en un dibujo coherente con sus creencias. Fantasioso y sincero, concibe sus obras como monumentos más que como esculturas: como situaciones que se dirigen a un público, a menudo sin autor, y comunican ideales, historias y sueños colectivos, más que la expresión individual del artista.

Paul Ramírez Jonas nació en 1965 en Pomona, California, y se crio en Honduras. Obtuvo una licenciatura en arte de estudio de la Universidad de Brown en 1989 y una maestría en Bellas Artes en pintura de la Escuela de Diseño de Rhode Island en 1989. Ha sido objeto de exposiciones individuales en la Pinacoteca do Estado, São Paulo, Brasil; el Museo de Arte Contemporáneo Aldrich, Ridgefield, Connecticut; y el Museo de Arte Jack S. Blanton, Austin, Texas. Ha sido incluido en exposiciones colectivas en el MoMA PS1, Nueva York; el Museo de Brooklyn; la Galería Whitechapel, Londres; el Museo Irlandés de Arte Moderno; el New Museum, Nueva York; y la Kunsthaus de Zúrich, Suiza. Participó en la 1.ª Bienal de Johannesburgo; la 1.ª Bienal de Seúl; la 6.ª Bienal de Shanghái; la 28.ª Bienal de São Paulo; la 53.ª Bienal de Venecia; y la 7.ª Bienal do Mercosur, Porto Alegre, Brasil. En 2010, su proyecto ​“La Llave de la Ciudad” fue presentado por Creative Time en colaboración con la Ciudad de Nueva York. En 2016, su proyecto ​“Public Trust” fue presentado por Now & There en Boston. Actualmente vive y trabaja en Nueva York, donde es profesor asociado en el Hunter College de la Universidad de la Ciudad de Nueva York (CUNY).

Tito Kaphar

Kenia (Robinson)

Kenia (Robinson) en sus propias palabras:

​“Ellos dijeron que podía escribir lo que quisiera.

Mierda, estoy feliz de estar viva. Hace unos días, mi padre me envió un correo electrónico, hablando de que me iba a poner un seguro de vida. Al principio, sentí que incluso consideraría irme antes que él. Pero pensándolo bien, no es como si ELLOS de nuestras ligeras y retorcidas fantasías estuvieran fuera de lugar en matarme. O al Yo de Louisville. O al Yo de Baltimore. Y especialmente a ese Yo del condado de Waller, Texas. Podría ser que el médico no me escuche realmente, cuando finalmente consiga un seguro, una condición preconcebida de mentalidad ​“blanca”. Como hicieron con Serena. O tal vez destroce el coche que aún no tengo, mientras canto al ritmo de Megan Thee Stallion, genitales salpicados, mi perdición definitiva. Pero créeme, me arremolinaría como un anciano, con un caftán suelto, al estilo de la Sra. Roper, en lugar de arder en la pira de un héroe-mártir como Pantera Negra o Breonna. No tengo hijos, así que una escultura para mi madre, en la colección permanente del Museo Afroamericano de Historia y Cultura , es mi legado. Supongo. O tal vez cuando dominé Blue Ivy, sin un título universitario, se suponía que eso me haría sentir alguien. O cuando todas las mujeres ​“blancas” llamaron, después del asesinato de George Floyd, e hice todo ese trabajo para que se sintieran mejor consigo mismas. No he sabido nada de ellas desde entonces.

Al menos existe Wikipedia.

Amar,

Kenia (Robinson), LLC“

Kenya (Robinson) nació en 1977 en Landstuhl, Alemania. Vive y trabaja en Gainesville, Florida.

Roberto Longo

Robert Longo es un artista, cineasta y músico residente en Nueva York. Tras asistir à la Universidad Estatal de Buffalo, Nueva York, se mudó à la ciudad de Nueva York en 1977. Ese mismo año, presentó Pictures, comisariada por Douglas Crimp, la primera exposición que contextualizaba a un grupo de jóvenes artistas que se alejaban del minimalismo y el conceptualismo para, en cambio, centrarse en la creación de imágenes, inspirados en periódicos, anuncios, cine y televisión. Longo se convirtió en un destacado protagonista de la ​“Generación de las Imágenes”, trabajando a través del dibujo, la fotografía, la pintura, la escultura, la performance y el cine para realizar críticas provocativas sobre los efectos anestésicos y seductores del capitalismo, las guerras mediáticas y el culto à la historia en Estados Unidos.

Robert Longo nació en 1953 en Brooklyn. Su obra está representada en numerosos museos importantes y colecciones privadas de todo el mundo, incluyendo las colecciones del Museo de Arte Moderno, el Museo Solomon R. Guggenheim y el Museo Whitney de Arte Estadounidense de Nueva York; la Colección Broad del Museo de Arte del Condado de Los Ángeles y el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles; el Instituto de Arte de Chicago; el Centro Georges Pompidou de París; y la Albertina de Viena. Vive y trabaja en Nueva York y está representado por Metro Pictures de Nueva York; la Galerie Thaddaeus Ropac de Londres; París, Salzburgo; y Capitain Petzel de Berlín.

Alan Michelson

Alan Michelson es un artista, curador, escritor, conferenciante y miembro mohawk de las Seis Naciones del Gran Río, reconocido internacionalmente y residente en Nueva York. Durante más de veinticinco años, ha sido un destacado artista de arte socialmente comprometido, con conciencia crítica y específico para cada lugar, basado en el contexto local y en la recuperación de historias reprimidas. Inspirándose tanto en la cultura indígena como en la occidental, trabaja con una amplia gama de medios y materiales, entre ellos pintura, escultura, fotografía, sonido, video, vidrio y piedra.

Su práctica incluye arte público, y Mantle, su gran monumento en honor a las naciones indígenas de Virginia, se inauguró recientemente en la Plaza del Capitolio de Richmond. Michelson es cofundador y cocurador, junto con el Centro Vera List de Arte y Política de The New School, de la serie Indígena de Nueva York.

Alan Michelson nació en 1953 en Buffalo, Nueva York. Ha recibido varios premios, entre ellos la Beca de Artistas Visuales de la NEA, la Beca de Artista de la Fundación de Artes y Culturas Nativas y el Premio de Diseño GSA, Mención en Arte. Su obra forma parte de las colecciones permanentes del Museo Whitney de Arte Estadounidense de Nueva York, la Galería Nacional de Canadá y el Museo Nacional del Indio Americano del Instituto Smithsoniano de Washington D. C. Actualmente vive y trabaja en Nueva York.

Marilyn Minter

Durante más de tres décadas, Marilyn Minter ha producido exuberantes pinturas, fotografías y videos que manifiestan vívidamente las complejas y contradictorias emociones de nuestra cultura en torno al cuerpo y la belleza femeninos. Sus obras únicas —desde las enormes pinturas de labios y ojos maquillados hasta los zapatos de diseñador sucios— ponen de manifiesto, con gran precisión y de forma crítica, el poder del deseo. Como artista, Minter siempre ha realizado seductoras declaraciones visuales que captan nuestra atención, sin eludir nunca su papel igualmente crucial como provocadora, crítica y humorista. 

Marilyn Minter nació en 1948 en Shreveport, Luisiana, y obtuvo su licenciatura en la Universidad de Florida en Gainesville y una maestría en Bellas Artes en la Universidad de Syracuse, Nueva York. Ha sido objeto de numerosas exposiciones individuales en el Museo de Arte Contemporáneo de Denver; el Museo de Arte Moderno de San Francisco; el Centro de Arte Contemporáneo de Cincinnati, Ohio; La Conservera, Centro de Arte Contemporáneo de Ceutí/​Murcia, España; el Museo de Arte Contemporáneo de Cleveland; y el Deichtorhallen de Hamburgo, Alemania. En 2006, Minter participó en la Bienal del Whitney y, en colaboración con Creative Time, instaló vallas publicitarias por todo el barrio de Chelsea, en la ciudad de Nueva York. Actualmente vive y trabaja en la ciudad de Nueva York.

Vik Muniz

Vik Muniz es un influyente artista brasileño contemporáneo, reconocido por sus complejas obras fotográficas. Utilizando una amplia variedad de materiales eclécticos y encontrados —chocolate, gelatina, juguetes y basura — , Muniz recrea obras icónicas de la historia del arte y escenas de la cultura popular. Al presentar la pieza final como fotografía, explora la memoria, la percepción y la naturaleza de las imágenes tal como se representan en las artes y la comunicación.

Vicente José de Oliveira Muniz nació en 1961 en São Paulo, Brasil. Protagonizó el documental Waste Land (2010), donde sigue la evolución de su proyecto Pictures of Garbage (2008). El proyecto incluyó la recreación de La muerte de Marat, de Jacques-Louis David, a partir de residuos. Esta serie de imágenes a gran escala se creó con la ayuda de catadores, quienes recorren el enorme vertedero de Río en busca de materiales reciclables. Muniz fue nombrado Embajador de Buena Voluntad de la UNESCO por su activismo social, y su obra se ha exhibido en el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York; el Museo de Arte Moderno de Nueva York; la Tate Modern de Londres; y el Centro Nacional de la Fotografía de París. Actualmente vive y trabaja entre Brooklyn y Río de Janeiro.

Jayson Musson

Jayson Scott Musson es un gorila con corbata. Si no está perdiendo horas y horas repasando el tiroteo en la cantina entre Han Solo y Greedo como si fuera la película de Zapruder, entonces Jayson Scott Musson está durmiendo. Si no está durmiendo, está comiendo. Una vez que termina de comer, se adentra en el bosque, donde cava un agujero en la tierra para tener relaciones sexuales con el planeta. ​“Intento crear un gólem como un mago hebreo”, declara el Sr. Musson como su razón para esta violación de la sacrosantidad de la Madre Tierra. Esto es lo más cerca que estará el Sr. Musson de ser científico o padre.

A veces escribe, a veces juega con sus crayones en la producción de piezas visualmente impactantes, y a veces se pregunta: “¿Cuánto dinero se puede ganar realmente bailando breakdance en el metro, sobre todo si hay que dividirlo entre tres personas? No parece una forma viable de ganarse la vida… ¡y con todo ese sudor!”.

Jayson Scott Musson nació en 1977 en Nueva York, donde actualmente vive y trabaja.

Ahmet Öğüt

Öğüt, un iniciador sociocultural y artista conceptual de renombre internacional, busca constantemente colaboradores fuera del mundo artístico. Trabajando en diversos medios, encuentra maneras únicas de abordar con humor temas sociales complejos, desde la migración hasta los disturbios civiles.

Ahmet Öğüt nació en 1981 en Silvan, Turquía. Tras cursar la escuela secundaria de Bellas Artes de Diyarbakir, completó su licenciatura en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Hacettepe de Ankara y su maestría en la Facultad de Arte y Diseño de la Universidad Yıldız Teknik de Estambul. Ha expuesto individualmente en el Espacio de Arte Contemporáneo YARAT de Azerbaiyán; el Kunstverein de Dresde (Alemania); el Kunsthal Charlottenborg de Copenhague; la Galería Chisenhale de Londres; el Museo de Arte de Berkeley; y la Kunsthalle de Basilea (Suiza). También ha participado en numerosas exposiciones colectivas en el Museo Stedelijk de Ámsterdam; el Museo de Arte de Seúl (Corea del Sur); la Trienal de Arte Echigo Tsumari; la XIII Bienal de Lyon (Francia); la V Bienal de Artes Visuales y Performance de Nueva York; la VII Bienal de Liverpool; la XII Bienal de Estambul; la Trienal del New Museum de Nueva York; y la V Bienal de Arte Contemporáneo de Berlín. Öğüt recibió el Premio Visible por la Universidad Silenciosa (2013); el premio especial del Premio de Arte de la Generación Futura, Centro de Arte Pinchuk, Ucrania (2012); el Premio de Arte De Volkskrant Beeldende, Países Bajos (2011); y el Kunstpreis Europas Zukunft, Museo de Arte Contemporáneo, Alemania (2010). Corepresentó a Turquía en la 53.ª Bienal de Venecia. Vive y trabaja en Ámsterdam y Estambul.

Yoko Ono

Conocida por su arte experimental, música, cine y feminismo, así como por su matrimonio con John Lennon, Yoko Ono se convirtió en una figura importante en la escena artística underground neoyorquina de los años 60, y continúa produciendo obras y atrayendo titulares hoy en día. De varias piezas icónicas de arte conceptual y de performance que Ono produjo, la más famosa es Cut Piece (1964), estrenada en Tokio, en la que se arrodilló en el suelo de un escenario mientras el público le cortaba la ropa gradualmente. En los años 60 y 70, Ono estuvo asociada con el movimiento Fluxus (un grupo informal de artistas vanguardistas inspirados en el dadaísmo) y produjo material impreso, como un libro titulado Grapefruit (1964) que contenía instrucciones para piezas musicales y artísticas. Otras obras incluyen Smoke Painting (1961), un lienzo que se invitaba a los espectadores a quemar. John Cage fue una gran influencia y colaborador de Ono, al igual que el padrino de Fluxus, George Maciunas .

Yoko Ono nació en 1933 en Tokio. Vive y trabaja en Nueva York.

Trevor Paglen

Trevor Paglen es un artista cuya obra abarca la creación de imágenes, la escultura, el periodismo de investigación, la escritura, la ingeniería y muchas otras disciplinas. Entre sus principales inquietudes se encuentra aprender a comprender el momento histórico que vivimos y desarrollar los medios para imaginar futuros alternativos.

Trevor Paglin nació en 1974 en Camp Springs, Maryland. Obtuvo su licenciatura en la Universidad de California en Berkeley, una maestría en Bellas Artes del Instituto de Arte de Chicago y un doctorado en Geografía en la misma universidad. Ha realizado exposiciones individuales en el Centro de Arte Nam June Paik de Seúl; el Museo Tamayo de la Ciudad de México; el Museo de Arte de Nevada de Reno; la Vienna Secession; el Museo de Arte Eli & Edythe Broad de la Universidad Estatal de Michigan; el Museo Van Abbé de los Países Bajos; la Frankfurter Kunstverein de Alemania; y Protocinema de Estambul. Ha lanzado una obra de arte a una órbita distante alrededor de la Tierra en colaboración con Creative Time y el MIT, contribuyó con la investigación y la cinematografía de la película ganadora del Premio de la Academia Citizenfour y creó una escultura pública radiactiva para la zona de exclusión de Fukushima, Japón. Es autor de cinco libros y numerosos artículos sobre temas como la geografía experimental, el secreto de Estado, la simbología militar, la fotografía y la visualidad. La obra de Paglin ha sido reseñada en el New York Times, la revista Vice, The New Yorker y Art Forum. En 2014, recibió el Premio Pionero de la Electronic Frontier Foundation por su trabajo como ​“artista de investigación innovador”.

Papa.L

Pope.L es un artista visual y educador cuya práctica multidisciplinaria utiliza binariedades, contradicciones y preconcepciones arraigadas en la cultura contemporánea para crear obras de arte en diversos formatos, como la escritura, la pintura, la performance, la instalación, el vídeo y la escultura. Basándose en su larga trayectoria de performances e intervenciones arduas, provocativas y absurdas en espacios públicos, Pope.L aplica algunas de las mismas estrategias sociales, formales y performativas a sus intereses en el lenguaje, el sistema, el género, la raza y la comunidad. Los objetivos de su obra son varios: la alegría, el dinero y la incertidumbre, no necesariamente en ese orden.

William Pope.L nació en Newark, Nueva Jersey, en 1955. Comenzó su carrera en la década de 1970, creando obras que se basan en sus dificultades personales, la lectura de filosofía y su formación en performance y teatro con Geoff Hendricks y Mabous Mines. Estudió en el Pratt Institute y posteriormente se licenció en el Montclair State College en 1978. También asistió al Programa de Estudios Independientes del Whitney Museum of American Art antes de obtener su MFA en la Universidad de Rutgers en 1981. Pope.L ha recibido numerosos premios y becas, entre ellos el Premio Bucksbaum, el Premio de la Fundación Joyce, el Premio de la Fundación Tiffany, la Beca Rockefeller para Artistas de Estados Unidos, la Residencia del Bellagio Center, la Beca Solomon R. Guggenheim, la beca de la Fundación Andy Warhol, la beca de la Fundación Creative Capital, la beca de la Fundación Franklin Furnace/​Jerome, la beca del National Endowment for the Arts, la beca Artists Space, entre otras. Vive y trabaja en Chicago.

Pedro Reyes

Pedro Reyes estudió arquitectura pero se considera escultor, aunque sus obras integran elementos de teatro, psicología y activismo. Su trabajo adopta una gran variedad de formas, desde esculturas penetrables ( Capulas , 2002-08) hasta producciones de títeres ( Baby Marx , 2008), ( The Permanent Revolution , 2014), ( Manufacturing Mischief , 2018). En 2008, Reyes inició Palas por Pistolas, una iniciativa en curso, donde se recolectaron 1,527 armas en México a través de una campaña de donación voluntaria para producir la misma cantidad de palas para plantar 1,527 árboles. Esto condujo a Disarm (2012), donde 6,700 armas destruidas se transformaron en una serie de instrumentos musicales. En 2011, Reyes inició Sanatorium , una clínica transitoria que brinda tratamientos cortos e inesperados que mezclan arte y psicología. Originalmente encargada por el Museo Solomon R. Guggenheim de la ciudad de Nueva York, Sanatorium ha estado en funcionamiento en Documenta 13, Kassel, Alemania; Whitechapel Gallery, Londres; y OCA, Sao Paulo.

En 2013, presentó la primera edición de pUN: The People’s United Nations en el Queens Museum de Nueva York. pUN es una conferencia experimental en la que ciudadanos comunes actúan como delegados de cada uno de los países de la ONU y buscan aplicar técnicas y recursos de la psicología social, el teatro, el arte y la resolución de conflictos à la geopolítica. La segunda edición de pUN tuvo lugar en el Hammer Museum de Los Ángeles en 2015. La tercera Asamblea General de pUN tuvo lugar en diciembre de 2015 en el Museo del Siglo XXI de Kanazawa, Japón. Ese mismo año, recibió la Medalla de las Artes del Departamento de Estado de los Estados Unidos y la Beca de la Fundación Ford. A finales de 2016, presentó Doomocracy, una instalación teatral inmersiva comisionada por Creative Time.

Pedro Reyes nació en 1972 en la Ciudad de México. Ocupó una plaza de profesor visitante en el Instituto Tecnológico de Massachusetts (MIT) durante el otoño de 2016 y realizó su residencia en el CAST del MIT como Artista Visitante Distinguido Dasha Zhukova. Además de su práctica artística, Pedro Reyes ha comisariado numerosas exposiciones y colabora frecuentemente con publicaciones de arte y arquitectura. Vive y trabaja en la Ciudad de México.

Yumi Janairo Roth

Yumi Janairo Roth ha creado una obra diversa que explora las ideas de inmigración, hibridez y desplazamiento a través de objetos discretos e instalaciones adaptadas al lugar, proyectos individuales y colaboraciones. En sus proyectos, los objetos funcionan como autóctonos e intrusos en sus entornos, reconocibles y desconocidos à la vez para sus usuarios.

Roth nació en Eugene, Oregón, y creció en Chicago, Metro Manila, Filipinas, y en los suburbios de Washington D. C. Obtuvo una licenciatura en antropología por la Universidad Tufts, una licenciatura en Bellas Artes por la Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston y una maestría en Bellas Artes por la Universidad Estatal de Nueva York-New Paltz. Roth ha expuesto y participado en residencias artísticas a nivel nacional e internacional, incluyendo el Grand Central Art Center, Santa Ana, California; el Lower Manhattan Cultural Council, Smack Mellon y Cuchifritos en la ciudad de Nueva York; Diverse Works y Lawndale Art Center en Houston; el Instituto de Arte Contemporáneo, Portland, Maine; el Walker Art Center, Minneapolis, Minnesota; Consolidated Works, Seattle; el Museo Vargas, Metro Manila, Filipinas; el Museo Ayala, Metro Manila, Filipinas; el Frankfurter Kunstverein, Alemania; la Galerie Klatovy Klenová, República Checa; y el Instituto de Arte y Diseño de Pilsen, República Checa. Actualmente vive y trabaja en Boulder, Colorado, donde es profesora de escultura y práctica de post estudio en la Universidad de Colorado.

Dread Scott

Dread Scott crea arte revolucionario para impulsar la historia. Su obra se exhibe en Estados Unidos e internacionalmente. En 1989, su arte se convirtió en el centro de una controversia nacional por el uso transgresor de la bandera estadounidense, mientras estudiaba en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago. Dread participó en un caso histórico ante la Corte Suprema cuando él y otros desafiaron la nueva ley quemando banderas en las escaleras del Capitolio de Estados Unidos. Ha presentado una charla TED sobre este tema. Su estudio ahora se encuentra en Brooklyn.

Dread Scott nació en 1965 en Chicago. Su obra ha sido incluida en exposiciones en el MoMA PS1, Nueva York; Walker Art Center, Minneapolis, MN; Jack Shainman Gallery, Nueva York; y Gallery MOMO, Ciudad del Cabo, Sudáfrica. Su obra está en la colección del Whitney Museum of American Art, Nueva York y el Brooklyn Museum. Sus performances se han presentado en BAM y en las calles de Harlem. Es becario Soros Equality de Open Society Foundations 2019 y ha recibido subvenciones y becas de United States Artists y Creative Capital Foundation. En 2019 presentó Slave Rebellion Reenactment, un proyecto comprometido con la comunidad que recreó la mayor rebelión de personas esclavizadas en la historia de Estados Unidos. El proyecto apareció en Vanity Fair , The New York Times , Christiane Amanpour en CNN y destacado por art​net​.com como una de las obras de arte más importantes de la década. Vive y trabaja en Brooklyn.

Laura Shill

La obra de Laura Shill es una fusión de escultura, instalación, performance y fotografía. Shill aborda las ideas de espectador y sujeto, revelación y ocultación, ausencia e intimidad. Sus obras exploran el potencial transformador de las personas y los objetos a través de formas tempranas y experimentales de creación de imágenes que combinan lo siniestro y lo bello. Su obra escultórica e instalativa se inspira en las convenciones teatrales y emplea la repetición de formas para crear ambientes que sumergen y oscilan entre el humor y la angustia.

Laura Shill nació en 1980 en Birmingham, Alabama. Obtuvo una Maestría en Bellas Artes en Prácticas Interdisciplinarias de Artes Mediáticas por la Universidad de Colorado, Boulder, en 2012 y ha expuesto su obra a nivel nacional e internacional en la Bienal de Venecia de 2017 en el Centro Cultural Europeo; la Galería de Arte Contemporáneo de Colorado Springs; la Galería David B. Smith de Denver; la Galería Catherine Edelman de Chicago; y Durden and Ray de Los Ángeles. Su exposición individual de 2016 , ​“Phantom Touch”, se presentó en el Museo de Arte Contemporáneo de Denver. Vive y trabaja en Los Ángeles y Denver.

Aram Han Sifuentes

Aram Han Sifuentes es una artista textil, de práctica social y performance que trabaja para reivindicar espacios para comunidades inmigrantes y marginadas. Su trabajo a menudo se centra en el intercambio de habilidades, en particular técnicas de costura, para crear círculos de costura multiétnicos e intergeneracionales que se convierten en espacios de empoderamiento, subversión y protesta.

Aram Han Sifuentes nació en 1986 en Seúl, Corea del Sur. Obtuvo su licenciatura en Arte y Estudios Latinoamericanos en la Universidad de California, Berkeley, y su maestría en Bellas Artes en Estudios de Fibras y Materiales en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago. Su obra se ha exhibido en la Fundación de Artes Pulitzer, St. Louis, Missouri; el Museo Jane Addams Hull-House, Chicago; el Centro de Arte Hyde Park, Chicago; el Centro Cultural de Chicago, Chicago; la Iniciativa de Artes Asiáticas, Filadelfia; el Museo del Bordado Chung Young Yang, Seúl; y el Museo del Diseño, Londres. Fue becaria de investigación artística del Smithsonian en 2016, ganadora del premio 3Arts en 2016 y del premio de la Fundación para las Artes Sostenibles en 2017. Actualmente es profesora adjunta en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago.

Rirkrit Tiravanija

Nacido en 1971 en Buenos Aires, Argentina, el artista tailandés Rirkrit Tiravanija es conocido por una práctica que revoluciona los formatos expositivos tradicionales en favor de las interacciones sociales a través de la participación en actividades cotidianas como cocinar, comer y leer. Al crear entornos que rechazan la primacía del objeto artístico y, en cambio, se centran en el valor de uso y la unión de las personas a través de actos sencillos y entornos de cuidado comunitario, la obra de Tiravanija desafía las expectativas en torno al trabajo y el virtuosismo. Tiravanija forma parte del profesorado de la Escuela de Artes de la Universidad de Columbia y es miembro fundador y curador de Utopia Station, un proyecto colectivo de artistas, historiadores del arte y curadores. También ayudó a establecer un proyecto educativo-ecológico conocido como The Land Foundation, ubicado cerca de Chiang Mai, Tailandia. Vive y trabaja en Nueva York, Berlín y Chiang Mai, Tailandia.

Barrio Nari

Desde principios de la década de 1990, Nari Ward ha producido obras acumulando cantidades asombrosas de materiales humildes y reutilizándolos de maneras siempre sorprendentes. Su enfoque evoca diversas tradiciones populares y actos creativos de reciclaje de Jamaica, donde nació, así como las texturas materiales de Harlem, donde ha vivido y trabajado durante los últimos veinticinco años. Utiliza el lenguaje, la arquitectura y diversas formas escultóricas para reflexionar sobre el racismo y el poder, la migración y la identidad nacional, y las capas de memoria histórica que conforman nuestro sentido de comunidad y pertenencia.

Nari Ward nació en 1963 en St. Andrew, Jamaica. Recibió su BA de la City University of New York, Hunter College en 1989, y un MFA de la City University of New York, Brooklyn College en 1992. Su trabajo ha sido exhibido en el Contemporary Arts Museum Houston, Texas; New Museum, Nueva York; Institute of Contemporary Art, Boston; Socrates Sculpture Park, Nueva York; Massachusetts Museum of Contemporary Art, North Adams, MA; Isabella Stewart Gardner Museum, Boston; y Walker Art Center, Minneapolis, MN. Ward ha recibido numerosos honores y distinciones, incluyendo el Fellowship Award, The United States Artists, Chicago (2020); Vilcek Prize in Fine Arts, Vilcek Foundation, Nueva York (2017); el Joyce Award, The Joyce Foundation, Chicago (2015), el Rome Prize, American Academy of Rome (2012), y premios de la American Academy of Arts and Letters (1998), la Pollock-Krasner Foundation (1996); y el Fondo Nacional para las Artes (1994). Ward también ha recibido encargos de las Naciones Unidas y la Organización Mundial de la Salud. Vive y trabaja en la ciudad de Nueva York.

Alexandra Bell

Alexandra Bell, Una adolescente prometedora (Anotada) , 2017. Serigrafía e impresión pigmentada de archivo sobre papel. Cortesía de la artista.

Tania Bruguera

Tania Bruguera, La dignidad no tiene nacionalidad , 2017. Bandera de nailon, dimensiones variables. Presentada como parte de los Juramentos de Lealtad de Creative Time, 2017 – 2018. Cortesía de la artista y Creative Time, Nueva York. Foto de Guillaume Ziccarelli.

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NAN GOLDIN EN CONVERSACIÓN CON TANIA BRUGUERA SOBRE ARTE Y ACTIVISMO

El Centro de Pedagogía Urbana

Inmigrantes y Nueva York , 2018. Folleto a color, 20 x 28 cm; sin doblar, 56 x 81 cm. Producido por el Centro de Pedagogía Urbana (Oscar Núñez, Clair Beltrán e Ingrid Haftel), la Coalición de Inmigración de Nueva York (Mayra Aldás-Deckert, Kemah E. George y Samantha Van Doran) y Luiza Dale. Cortesía del Centro de Pedagogía Urbana.

Alex Da Corte

Alex Da Corte, Amigos (Para Ree) , 2017. Bandera de nailon, dimensiones variables. Presentada como parte de los Juramentos de Lealtad de Creative Time, 2017 – 2018. Cortesía del artista y Creative Time, Nueva York. Foto de Guillaume Ziccarelli.

Jeremy Deller

Jeremy Deller, Don’t Worry Be Angry (No te preocupes, enójate) , 2017. Bandera de nailon, dimensiones variables. Presentada como parte de los Juramentos de Lealtad de Creative Time, 2017 – 2018. Cortesía del artista y Creative Time, Nueva York. Foto de Guillaume Ziccarelli.

Shannon Finnegan

Shannon Finnegan, ¿Nos quieres aquí o no? Cinco bancos, dos sillas, una otomana y dos tumbonas. MDF, pintura acrílica y laminado. Cortesía del artista.

LaToya Ruby Frazier

LaToya Ruby Frazier, FLINT, 1462 días y contando, crisis hídrica provocada por el hombre , 2018. Bandera de nailon, dimensiones variables. Presentada como parte de los Juramentos de Lealtad de Creative Time, 2017 – 2018. Cortesía de la artista y Creative Time, Nueva York. Foto de Guillaume Ziccarelli.

Nan Goldin

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NAN GOLDIN EN CONVERSACIÓN CON TANIA BRUGUERA SOBRE ARTE Y ACTIVISMO

Ann Hamilton

Ann Hamilton, Vuela Libre , 2017. Bandera de nailon, dimensiones variables. Presentada como parte de los Juramentos de Lealtad de Creative Time, 2017 – 2018. Cortesía de la artista y Creative Time, Nueva York. Foto de Guillaume Ziccarelli.

Adelita Husni-Bey

Adelita Husni-Bey, La institución será dirigida por un Al moralmente superior , 2018. Impresión C. 70 x 60 pulgadas. Cortesía de la artista y Galleria La Veronica, Módica.

Ekene Ijeoma

Ekene Ijeoma, TKTKTK , 2018. Collage de fotos digitales, dimensiones variables. Cortesía de Studio Ijeoma/​Michael Yarinsky Design y The New York Times . Original. Fotografía de Annie Flanagan para el New York Times .

Instituto de Sociometría

Instituto de Sociometría, “ El Arte de la Menstruación” de Thu Tran, de Colorado Springs, se presenta en una pequeña biblioteca gratuita en 495 S. Clarkson Street, Denver, Colorado. LLiLL , 2018 – 2020. Intervención vecinal. Cortesía del Instituto de Sociometría.

LLiLL (Folletos de Izquierda en Pequeñas Bibliotecas) – Activación

La Pequeña Biblioteca se instaló inicialmente en el exterior de la casa de Peter Bergman y Heather Link-Bergman (del Instituto de Sociometría) durante el desarrollo de este proyecto. Contendrá fanzines relacionados con el proyecto, que los visitantes podrán llevarse gratuitamente con regularidad durante la exposición. También se permite depositar fanzines o libros en la biblioteca.

No es necesario hacer reservaciones.

Aryel René Jackson

Aryel René Jackson, Propuesta de reemplazo para la estatua ecuestre del General Beauregard en Nueva Orleans, que fue retirada en mayo de 2017 , 2018. Collage digital animado de fotos, dimensiones variables. Cortesía del artista. Fotografía original de Edmund D. Fountain para el New York Times .

Paul Ramírez Jonas

Paul Ramirez Jonas, Public Trust , 2016. Mesa (contrachapado de abedul, fieltro, letras de plástico, elástico, Biblia, Bhagavad Gita, Antiguo Testamento hebreo-inglés, Corán, Constitución de los Estados Unidos, Constitución de los Estados Unidos en español, Zend Avesta, botella de plástico con agua del río Ganges, piedra de Júpiter, lancetas médicas desechables, alcancía, timbre de llamada, almohadilla de tinta, bolígrafo y cadena de bola, reloj plegable, sello de relieve, papel y grafito) y marquesina (letras de plástico, riel de plástico, poste para cambiar letras, gabinete y herrajes), dimensiones variables. Cortesía del artista, Galleria Nara Roesler y Now + There.

Activación de la confianza pública

Tres días à la semana (viernes, sábado y domingo), los visitantes pueden activar la Confianza Pública acercándose à la mesa de esta galería y haciendo una promesa a un ​“prometido” oficial, quien atestigua, registra, sella y exhibe cada promesa. Los participantes reciben una copia impresa de su promesa, que funciona como certificado de participación, registro de su promesa y una obra de arte de la cual ellos, el artista y los prometidos son cocreadores. Una segunda copia idéntica de cada promesa se exhibe aquí en la galería. Las promesas también se exhiben en la gran marquesina sobre la mesa, junto con promesas extraídas de noticias y redes sociales hechas por funcionarios electos, celebridades y presentadores de noticias.

La obra cuestiona y celebra cómo el lenguaje funciona como pilar de la sociedad civil. Además, enfatiza que es nuestra confianza mutua la que le otorga este poder. Esta confianza legitima nuestro gobierno, sistema legal y otras instituciones y procesos públicos, al igual que nos permite contar con que nuestros amigos nos encontrarán cuando y donde digan que lo harán.

Los actores Abner Genece y Steph Holmbo activarán Public Trust tres días à la semana. ¡Ven a compartir tus promesas con ellos los viernes, sábados y domingos por la tarde! No es necesario reservar para participar.

Abner Genece* Actualmente aparece en el primer episodio de la serie en línea de Arvada Center, Amplify ; también en la obra de radio de Arvada Center, Trifles ; también en la obra de radio de Colorado Springs Fine Arts Center, Just Keep Breathing ; varias temporadas con Jean Cocteau Repertory, NYC ( Hamlet, Otelo, Esperando a Godot, Napoli Milionaria, Tartufo, El huerto de los cerezos ); varias temporadas con Will Geer Theatricum, LA ( Sueño de una noche de verano, Noche de reyes, El cuento de invierno ); varias temporadas con Robey Theatre Company, LA (Trilogía Por amor à la libertad ); varias temporadas con Arvada Center for the Arts and Humanities, Denver ( Sense and Sensibility, The Electric Baby, All My Sons, El diario de Ana Frank ); *Miembro de la Actors’ Equity Association. https://​www​.abn​er​genece​.net/

Steph Holmbo es actriz, bailarina, cantante, poeta y creadora. Estudió Bellas Artes en la Compañía de Teatro Atlantic de la Universidad de Nueva York y trabajó en el Off-Broadway con Mitra Dance Collective durante tres años. Desde que se mudó a Denver, ha actuado en varios teatros, incluyendo el Arvada Center for the Arts and Humanities, Miners Alley Playhouse y Town Hall Arts Center, y ha interpretado papeles originales en dos musicales de estreno mundial con Mitch Samu. Steph también ha presentado tres obras propias, la primera en el Festival Fringe de Minnesota y, más recientemente, su primer unipersonal . www​.steph​holm​bo​.com

Tito Kaphar

Titus Kaphar, Inversiones Monumentales: George Washington , 2016. Madera, vidrio soplado y acero, 250 x 223 x 81 cm. Cortesía del artista y de la Galería Gagosian, Nueva York. Fotografía cortesía del Museo de Arte de la Universidad de Princeton.

Kenia (Robinson)

Kenia (Robinson), Un argumento de que todos los monumentos confederados son para las aves , 2018. Collage de fotos digitales, dimensiones variables. Cortesía del artista y del New York Times . Fotografías originales de Edu Bayer para el New York Times y Farinoza y Chamnan Phanthong, vía Adobe Stock.

Roberto Longo

Robert Longo, Sin título (Dividiendo el tiempo) , 2017. Bandera de nailon, dimensiones variables. Presentada como parte de los Juramentos de Lealtad de Creative Time, 2017 – 2018. Cortesía del artista y Creative Time, Nueva York. Foto de Guillaume Ziccarelli.

Alan Michelson

Alan Michelson, Rechazo de Manta , 2020. Impresión láser sobre manta polar de doble cara, 203 x 152 cm. Cortesía del artista.

Marilyn Minter

Marilyn Minter, Resist Flag , 2017. Bandera de nailon, dimensiones variables. Presentada como parte de los Juramentos de Lealtad de Creative Time, 2017 – 2018. Cortesía de la artista y Creative Time, Nueva York. Foto de Guillaume Ziccarelli.

Vik Muniz

Vik Muniz, Nube de Diáspora , 2017. Bandera de nailon, dimensiones variables. Presentada como parte de los Juramentos de Lealtad de Creative Time, 2017 – 2018. Cortesía del artista y Creative Time, Nueva York. Foto de Guillaume Ziccarelli.

Jayson Musson

Jayson Musson, A Horror , 2017. Bandera de nailon, dimensiones variables. Presentada como parte de los Juramentos de Lealtad de Creative Time, 2017 – 2018. Cortesía del artista y Creative Time, Nueva York. Foto de Guillaume Ziccarelli.

Ahmet Öğüt

Ahmet Öğüt, Si quieres ver esta bandera en colores, quémala (En memoria de Marinus Boezem) , 2017. Bandera de nailon, dimensiones variables. Presentada como parte de los Juramentos de Lealtad de Creative Time, 2017 – 2018. Cortesía del artista y Creative Time, Nueva York. Foto de Guillaume Ziccarelli.

Yoko Ono

Yoko Ono, Imagine Peace , 2017. Bandera de nailon, dimensiones variables. Presentada como parte de los Juramentos de Lealtad de Creative Time, 2017 – 2018. Cortesía de la artista y Creative Time, Nueva York. Foto de Guillaume Ziccarelli.

Trevor Paglen

Trevor Paglen, ¡Contemplen estos tiempos gloriosos! 2017. Proyección de video a color de un solo canal, estéreo. Duración: 10 minutos. Banda sonora original: Holly Herndon. Cortesía del artista y Metro Pictures, Nueva York.

Papa.L

Pope.L, Flint Water , 2017-presente. Papel tapiz de vinilo, estanterías de pared, mesas, pizarras, botellas de agua de plástico llenas de Flint Water, cajas de cartón con botellas de agua llenas de Flint Water. Cortesía del artista y TKTKTK.

Pedro Reyes

Pedro Reyes, Manos à la Obra con una Visión , 2017. Bandera de nailon, dimensiones variables. Presentada como parte de los Juramentos de Lealtad de Creative Time, 2017 – 2018. Cortesía del artista y Creative Time, Nueva York. Foto de Guillaume Ziccarelli.

Yumi Janairo Roth

Yumi Janairo Roth, The Commons: Management Rights , 2020. Letrero de aluminio serigrafiado instalado en Colorado. Cortesía del artista.

Dread Scott

Dread Scott, El legado de la esclavitud obstaculiza el progreso y lo seguirá haciendo hasta que Estados Unidos, que se beneficia de él, sea reemplazado por una sociedad completamente diferente, boceto de propuesta , 2018. Collage fotográfico digital, dimensiones variables. Cortesía del artista y del New York Times . Fotografía original de Annie Flanagan para el New York Times .

Laura Shill

Laura Shill, Incluir al Otro en el Ser , 2020. Instrucciones escritas y lista de treinta y seis preguntas. Cortesía de la artista.

Vea a Laura Shill explicar cómo incluir a los demás en el yo.

Incluir a otros en la autoactivación

Preocupada por la erosión de los vínculos sociales causada por la tecnología y la polarización política, Laura Shill concibió un trabajo experiencial que facilita la conversación y fomenta la empatía. Incluir al Otro en el Ser reúne a dos personas à la vez para formular y, a su vez, responder un conjunto de treinta y seis preguntas que un grupo de psicólogos redactó y organizó en la década de 1990 con el objetivo de crear un sentido de cercanía entre ambos participantes. El New York Times popularizó las preguntas en un artículo de 2015 titulado ​“Las 36 Preguntas que Conducen al Amor”. En este artículo, Shill las utiliza para fomentar el diálogo, la apertura, la vulnerabilidad y, posteriormente, la comprensión, con la esperanza de que los participantes busquen oportunidades para conectar con otros fuera del museo, mejorando así nuestra salud cívica colectiva.

Para participar

La obra está disponible para dos personas à la vez, por orden de llegada. Por favor, consulte con el encargado de la galería, ubicado en la entrada, para saber si la obra está disponible y cuándo.

El segundo viernes de cada mes (es decir, el 9 de octubre, el 13 de noviembre, el 11 de diciembre, el 8 de enero y el 12 de febrero): Puedes inscribirte con antelación para participar en el trabajo con alguien que no conoces à la 1 p. m., a las 3 p. m. o a las 5 p. m. Las treinta y seis preguntas se usaron originalmente para facilitar la cercanía entre dos desconocidos. Si te interesa experimentar las preguntas tal como se concibieron inicialmente, visita nuestro sitio web para inscribirte en una de las citas en las fechas indicadas anteriormente. (El plazo de inscripción comienza con dos semanas de antelación).

Preguntas frecuentes

¿Cuánto tiempo lleva esto? Esta obra toma aproximadamente una hora para experimentarla.

¿Cómo funciona? El encargado de la galería, ubicado à la entrada, le proporcionará las instrucciones para participar y las preguntas.

¿Puedo hacerlo solo? Sí y no. Se requieren dos personas para la activación. ¡Siéntete libre de participar con quien te acompañe hoy! O regresa con un conocido, amigo, familiar o pareja a quien quieras conocer mejor. Si deseas participar con alguien que no conoces y usar las preguntas como estaban originalmente pensadas, puedes registrarte en nuestra página web. El segundo viernes de cada mes, à la 1 p. m., a las 3 p. m. o a las 5 p. m., puedes hablar con un desconocido.

¿Qué precauciones están tomando para proteger a los participantes del COVID-19? Limitamos la entrada à la galería a dos personas cada dos horas, y los participantes deben usar mascarilla. Desinfectamos los asientos de la galería después de cada activación. Usamos guantes al preparar los paquetes de instrucciones y preguntas, que son de un solo uso. Los participantes pueden reciclar su paquete una vez que hayan terminado la obra o llevárselo a casa.

Aram Han Sifuentes

Aram Han Sifuentes, Kit de Votación para los Desposeídos , 2020. Instalación multimedia y sitio web. Cortesía del artista.

Estación de votación oficial no oficial: Votación para todos los que legalmente no pueden hacerlo – Activación

El Centro de Votación Oficial No Oficial de Aram Han Sifuentes: Votando para Todos los que Legalmente No Pueden, destaca la importancia del voto, el principal privilegio asociado con la ciudadanía estadounidense. La instalación, que funciona como centro de votación no oficial, ofrece a quienes la visitan la oportunidad de votar sobre diversos temas políticos de actualidad, como la posibilidad de permitir el voto a los delincuentes convictos o el pago de indemnizaciones a los descendientes de esclavos.

Los visitantes no necesitan registrarse, mostrar identificación o comprobar ciudadanía estadounidense para votar.

La facilidad y transparencia con la que este trabajo facilita la participación contrasta con las a menudo engorrosas barreras burocráticas para votar que muchos estadounidenses enfrentan. La supresión del voto continúa impidiendo que muchos votantes ejerzan uno de sus derechos más básicos y preciados. Ante la COVID-19 y la creciente urgencia de permitir que los estadounidenses voten por correo, este trabajo se ha hecho accesible en línea; a través de http://officialunofficial.vote/ y el código QR a continuación, cualquier persona puede votar, desde cualquier lugar.

Rirkrit Tiravanija

Rirkrit Tiravanija, Sin título 2017 (el miedo corroe el alma) (bandera blanca) , 2017. Bandera de nailon, dimensiones variables. Presentada como parte de los Juramentos de Lealtad de Creative Time, 2017 – 2018. Cortesía del artista y Creative Time, Nueva York. Foto de Guillaume Ziccarelli.

Barrio Nari

Nari Ward, Breathing Flag , 2017. Bandera de nailon, dimensiones variables. Presentada como parte de los Juramentos de Lealtad de Creative Time, 2017 – 2018. Cortesía del artista y Creative Time, Nueva York. Foto de Guillaume Ziccarelli.